Neoplasticismo: Piet Mondrian

Neoplasticismo: Piet Mondrian

Neoplasticismo: Piet Mondrian y sus obras de arte

Neoplasticismo es una corriente artística inventada por el pintor holandés, Piet Mondrian. Sin embargo, esta corriente tiene mucho que ver con el suprematismo ruso y el minimalismo estadounidense. Todos tienen que ver con la abstracción, colores, universalidad.

Una pintura de 1922 de Piet Mondrian desafió la historia del arte, definiendo una nueva era, escribe Deborah Nicholls-Lee, mientras dos exposiciones celebran el 150 aniversario de su nacimiento.

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Seis líneas y cinco colores fue todo lo que se necesitó para hacer una obra maestra. Para 1922, la misión modernista parecía estar completa. En Composición con azul, amarillo, rojo, negro y gris de Piet Mondrian , solo prevalecen los colores primarios. El naranja y el azul aciano que persistieron el año anterior habían sido desterrados de la grilla, y un blanco grisáceo contemplativo tomó el centro del escenario. El arte occidental nunca había parecido tan sencillo ni tan accesible.

Ese mismo año, el pintor holandés se despidió de su estudio de París para celebrar su 50 cumpleaños con una retrospectiva de su obra en el Museo Stedelijk de Ámsterdam. Hoy, un siglo después, la Composición de 56 x 63 cm de Mondrian con azul, amarillo, rojo, negro y gris está en exhibición permanente en el sótano del museo, el característico monograma «PM» y «22» todavía visibles en la pintura roja áspera.

Neoplasticismo ARTE

Maurice Rummens, investigador académico del Museo Stedelijk, describe la pintura como «una de las puntas de lanza» de la colección del museo. Señaló una transformación en el estilo de Mondrian y en la pintura. Las representaciones de objetos reales y el uso de la perspectiva, vistos en los paisajes del artista a principios de siglo y continuando en su período cubista, ya no eran lo suficientemente modernos para él. En cambio, recurrió a la abstracción pura para comunicar algo más ambicioso e intangible: las cualidades elementales y universales del cosmos.

«Las líneas verticales y horizontales son la expresión de dos fuerzas opuestas», explicó más tarde Mondrian en un ensayo de 1937. «Existen en todas partes y dominan todo; su acción recíproca constituye ‘vida'».

Mondrian pretendía la combinación de colores primarios y patrones geométricos audaces para transmitir la conectividad inherente de la naturaleza de la manera más destilada y directa posible. En una carta al también artista holandés Theo Van Doesburg en 1915, escribe: «Siempre me limito a expresar lo eterno (lo más cercano al espíritu) y lo hago en la forma externa más simple, para poder expresar lo eterno». significado interior tan ligeramente velado como sea posible».

«Mondrian fue un pionero, en el sentido de que era muy radical y en su concentración en la esencia misma de la imagen», dice Ulf Küster, curador de Mondrian Evolution, una exploración del viaje modernista de Mondrian que actualmente se muestra en la Fundación Beyeler en Suiza para conmemorar el 150 aniversario de su nacimiento.

«El minimalismo es impensable sin Mondrian», le dijo a BBC Culture. «Él fue uno de los primeros que realmente hizo esto, este trabajo totalmente no representativo… Si ves lo moderno como algo que rompe con todas las tradiciones y define todo lo nuevo, entonces las pinturas de Mondrian de los años 20 son muy, muy modernas».

Piet Mondrian: obras de arte

Sin embargo, los indicios del trabajo revolucionario que estaba por venir con el neoplasticismo se revelan en las piezas anteriores de Mondrian. El interés del artista por las cuadrículas, las líneas gruesas y las composiciones en ángulo recto, por ejemplo, se puede ver en los paisajes donde los troncos de los árboles cortan el horizonte (1902/3) o en los numerosos estudios que realizó de  un prado cercado en 1905.

Para 1922, Mondrian había adoptado los principios del neoplasticismo, un movimiento artístico también conocido como De Stijl que incluía a Mondrian, Van Doesburg, Gerrit Rietveld y Bart van der Leck entre sus principales miembros, y que abogaba por composiciones puras y reductivas que fueran perfectamente equilibrado. Mondrian desaprobó el uso de fondo y primer plano de Van der Leck, y se opuso al uso de la diagonal por parte de Van Doesburg y Van der Leck, una determinación de llevar la estética hasta el final que creó las imágenes icónicas por las que es conocido hoy.

Neoplasticismo: características

Los ángulos rectos, insistió, deben permanecer erguidos; y el color ahora tenía que ser primario, y la mayoría de las veces empujado hacia los extremos, dando primacía al blanco. En 1922, los planos de color existen en tensión dentro de una cuadrícula flotante dislocada, manteniendo el ojo y la pintura en movimiento y creando una composición que es a la vez satisfactoria e inquietante.

La sencillez de la pieza acabada desmiente su lenta y laboriosa creación. Gran parte de la jornada laboral de Mondrian la pasaba esperando y mirando, contemplando el lienzo o paseando por su estudio. «Estoy buscando la armonía adecuada del ritmo y la proporción inmutable», le escribió a Van Doesburg en 1919. «No puedo decirle lo difícil que es».

Para Mondrian, sin embargo, el equilibrio no implicaba la perfección; un sentido del pintor detrás de la pieza también era importante. En Composición con azul, amarillo, rojo, negro y gris, el color se desangra más allá de la cuadrícula imperfectamente pintada (se dice que Mondrian no usó regla), amenazando con invadir el lienzo blanquecino. Se nos recuerda el papel del pintor en la creación de una obra maestra y la interacción de los dos elementos opuestos que consideraba centrales en su obra: «individual» y «universal».

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Técnica del neoplasticismo

A pesar del enfoque ortodoxo y mesurado de Mondrian hacia su arte, fue este lado humano e «individual» lo que atrajo a la sociedad bohemia a su estudio de París lleno de humo en el 26 de la Rue du Départ, una obra de arte viva diseñada según principios neoplásticos.

«No era del todo cierto que estuviera aislado», dijo Caro Verbeek, curadora del Kunstmuseum Den Haag, donde reside la colección más grande del mundo de obras de Mondrian. «Era una persona muy carismática… Tenía sentido del humor, disfrutaba estar con la gente. Amaba a las mujeres y las mujeres lo amaban a él».

El círculo de amigos de Mondrian incluía a la bailarina, cantante y actriz Josephine Baker, a quien veía como un espíritu afín. Llenó su estudio con el sonido de su amado jazz y se sumergió en la vida cultural e intelectual de París, yendo al cine, tomando clases de baile y asistiendo a conciertos.

Este amor por la música, en particular, trajo una dimensión a menudo pasada por alto a las pinturas de Mondrian, actualmente exploradas en la exposición Mondrian Moves del Kunstmuseum Den Haag . La aplicación del museo combina música y pinturas, mostrando cómo el posicionamiento de los colores reproduce los ritmos y los pasos de baile que Mondrian conocía tan bien, con las áreas negras, blancas y grises que denotan ausencia de tonos o ruido.

Piet Mondrian Neoplasticismo Obras

«Mondrian podía escuchar, bailar y visualizar el neoplasticismo», dijo Verbeek a BBC Culture. «Todas sus pinturas neoplásicas eran muy musicales». Verbeek espera llevar la experiencia un paso más allá con Clapping al ritmo de Piet, una gira que utilizará ritmos de baile y palmas para acercar a todos, incluidos los discapacitados visuales, a la obra de Mondrian.

Fue en 1922 cuando Mondrian hizo más explícito el vínculo entre el arte y la música. Sin duda influenciado por el «concierto de ruido» experimental que había visto el año anterior del futurista Luigi Russolo, Mondrian propuso un «promenoir», un espacio de concierto donde las proyecciones de colores eléctricos y abstractos, los llamados «colores sonoros», se combinarían con la música. para crear una experiencia inmersiva.

Este compromiso multisensorial con el arte, explica Verbeek, también está invitado en la Composición con azul, amarillo, rojo, negro y gris de Mondrian de 1922 una vez que aprecias su musicalidad. «Lo que me encanta de esta composición es cómo cambia tu sentido de la verticalidad y la horizontalidad. No es solo que mueves los ojos, sino que también cambia toda tu forma de pensar… en el mismo plano», dice. «Así es como se supone que debes ver un Mondrian. No como una imagen que escaneas, sino como un cambio de dirección, de movimiento, de ritmo, de paso».

Contemplar un Mondrian, explica, es una experiencia visceral: «Los miembros de Stijl quieren evocar una sensación corporal, una estética muy física». Años más tarde, Mondrian iría más allá, adscribiendo danzas específicas a sus obras. Hubo una serie de Foxtrot a fines de la década de 1920, por ejemplo, y su pintura final Victory Boogie Woogie (1942-4), fue una celebración de los ritmos sincopados que adoraba.

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De Stijl

Incluso las pinceladas perpetúan el movimiento, explica Verbeek. El delgado plano amarillo vertical, por ejemplo, está pintado, de manera contraria a la intuición, con minuciosos trazos horizontales, creando esa característica dualidad y oposición, mientras que al mismo tiempo nos recuerda al individuo, la mano firme del artista, dentro de lo universal.

Incluso apreciadas en su nivel más superficial, las cuadrículas atractivas e inmediatamente reconocibles de Mondrian han causado una impresión duradera, envalentonando y democratizando el mundo del arte y elevando el estatus de lo gráfico y lo geométrico.

Vemos la influencia de la paleta de colores y los ángulos agudos de Mondrian en el Pop Art de Lichtenstein , y ecos de sus tableros de ajedrez en los mosaicos pintados de Gerhard Richter . Arquitectos desde Eslovaquia hasta EE.UU todavía experimentan con los principios de De Stijl, y marcas de moda como Yves Saint Laurent , Hermès , Moschino e incluso Nike han dado vida a las cuadrículas de Mondrian en sus pasarelas.

En el Museo Stedelijk, donde hace un siglo del neoplasticismo de Mondrian levantó una copa con amigos, la obra maestra de 1922 cuelga inocentemente, su cuadrado blanco central mira fijamente a los visitantes que pasan, dirigiendo su mirada en un viaje perpetuo dentro y alrededor de él. ¿Es el trabajo un patrón, una pintura, un diseño o una danza?

Para aquellos que saben, hay música dentro, pero la mayoría solo mira con curiosidad. Los colores parecen huir del encuadre y las líneas de cuadrícula inacabadas mantienen su provocación. «Creo que solo quería mantener la imagen lo más abierta posible», reflexiona Ulf Küster de Beyeler. «Todos los buenos artistas hacen más preguntas que respuestas».

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